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전시 서문

예술과 책은 서로 닮았다. 둘 다 사유의 깊이를 드러내는 우리 삶의 표현들이다. 일상의 현실은 여유를 마르게 하지만 우리에겐 끊임없이 자신의 삶과 정체성을 알고자 하는 호기심이 있다. 우리는 모호한 이유에 매달려 달리다가도 문득 멈춰 서서 생각한다. 지금 어디에 서 있으며 제대로 가고 있는지. 이 순간 필요한 것이 책과 예술이다. 좋은 책과 예술은 우리가 놓쳤거나 잊고 있던 것들을 상기시키고 생각하도록 이끈다. 예술은 습관적인 인식을 내려놓게 하고, 책은 마음을 다독이 는 지혜의 문구를 선사한다.

예술은 오래전부터 영감의 표현이라 말해져 왔지만, 인간 정신의 신비함이라 할 수 있는 영감의 본질이 무엇인지는 아직도 밝혀지지 않았다. 영감은 자연으로부터 혹은 신으로부터 받은 메시지를 전달하는 것이라고 여겨졌고, 프로이트의 등장 이후로는 무의식적인 충동에서 비롯된 것으로 이해되기도 한다. 현대에 이르러 예술의 의미는 다원적인 층위에 놓여 있어 하나의 개념으로 정의를 내리는 일은 더욱 어려워졌다. 그러나 분명 예술은 2000년의 문명 속에서 초월과 내재를 반복하면서 흘러왔다. 이번 전시 <예술가의 책장>은 현대미술의 현주소를 묻고자 하며, 인문학으로서의 예술을 말해보고자 한다. 흔히들 예술은 인문학에 속한다고 말한다. 인문학과 마찬가지로 인간의 경험과 사유를 예술을 통해 표현하는 것이기 때문이다. 그리고 실제로도 우리는 인문학부와 전혀 다르지 않은 하나의 지식 기관으로서의 미술관을 만난다. 현대의 미술관에서 예술작품들은 비언어적인 방식으로 표현되어 있는 생각을 관객들에게 전달한다. 우리는 작품이 구성된 조형적 방식에 기초해 작품의 의미를 파악하고자 한다. 눈앞에 펼쳐진 작품의 형식에서 시작해 그 작품에 담긴 '생각'까지 걸어 들어가야 하는 것이다. 이것은 종종 만만치 않은 작업이고 좌절을 맛보기도 한다.

그럼에도 우리는 예술의 의미가 숨어 있는 동시에 알아볼 수 있어야 한다고 기대한다. 물론 예술작품들은 자신을 마주한 사람들에게 이따금씩 변화 내지 그것에 버금가는 효과를 미친다. 하지만 그것보다 더 자주 지적 교양에 따른 섬세한 지시와 암시들이 가득한 작품들 앞에서 망연해질 때가 있다. 현대미술과 친숙해지기 위해서는 높은 허들을 넘어야 할 때가 많은 것이다. 그럼에도 우리는 예술이라는 큰 테두리 안에서 즐거움과 만족을 얻는다. 여전히 예술은 정신을 풍요롭게 하며 우리가 더 좋은 삶을 영위하고 서로를 더 품위 있게 대하는 것에 기여할 수 있다고 기대한다.

그리고 이런 부류의 예술이나 책들은 대체로 대중문화의 친숙함이나 실용적인 목적을 향하고 있지는 않은 듯하다. 시나 소설의 경우, 현실적인 관점에서 보자면 무용한 특성을 지닌 것이다. 이것은 '순수'로 분류되는 현대미술의 무용성과도 일맥한다. 실용서가 아닌 시나 소설에서 우리는 유용한 정보나 쓸 만한 지식을 얻지는 않는다. 그것들은 아주 오묘한 방식으로 우리의 내면세계에 대해 묘사하고 가상의 세계를 경험하게 하고 은유의 비밀 공간으로 유혹한다. 마찬가지로 현대미술은 테크네techne의 오랜 의미인 기술을 버리고 미의 울타리를 넘어 무용의 세계로 달아났다. 그것은 오히려 무용하기에 가치를 획득할 수 있었던 것이다.

오랫동안 우리가 알던 '미'는 더 이상 미술과 미학의 절대적인 개념이 아니다. 오히려 20세기 이후에 미는 예술에서는 대놓고 드러내지 말아야 할 것이 되었다. 예술작품이라는 지위는 보다 철학적인 사유들, 즉 '의미 있는 어떤 것'을 획득할 때 가능한 것이었다. 미술가들은 그 의미의 발견에 방점을 찍어 왔다. 그러나 그것은 오늘날 더 이상 어떤 것을 정의하거나 제거하기 혹은 주의, 이념을 말하려는 것이 아니다. 다원주의로 명명되는 지금의 예술계에서 작가들은 단지 예술 행위를 통해 세계와 접촉하려 할 뿐이다.

한편으로 예술 작품의 완성은 작가에게만 있지 않다. 감상자가 그 작품을 평가하고 공명하는 지점을 발견할 때 작품은 비로소 완성된다. 작가가만든 작품은 감상자에 의해서 다른 작품으로 다시 태어난다. 전시장에서 관람객은 예술 작품이 갖는 은유와 시적인 특성을 자신의 상상력으로 재해석한다. 이는 독자가 책의 흥미로운 이야기를 읽을 때 자신의 기억과 경험을 떠올리며 저마다 다르게 인식하고 공명하는 것과 같다. 이런 점에서 책을 읽는 행위와 전시장에서 예술 작품을 감상하는 행위는 닮았다. 언젠가 텔레비전에서 한 젊은 배우에게 어떤 배우로 성장하고 싶은지 묻는 인터뷰를 본 적이 있다. 그는 관객이 영화나 드라마에서 그의 연기를 보면서 즐겁고, 슬프며, 감동을 느낄 수 있는 '예술' 같은 배우가 되고 싶다고 했다. 그가 말한 '예술'은 무엇일까. 책이나 그림, 그리고 영화는 같은 본질을 품고 있을 거라고 추측해 본다. 책은 넓은 의미의 예술이고, 그 예술은 웃고 울고 생각하고 공감하게 함으로써 살아 춤추는 삶을 가능하게 하기 위한 것이 아닐까.

올해, 책의 해를 맞아 마련한 특별 전시 <예술가의 책장>은 예술가들에게 책과 예술의 관계를 물었다. 현대미술에서는 지적인 사유가 중요하고, 책은 작품에 직접적으로 관여한다. 예술가가 책과 관계를 맺는 방식은 매우 다양하다. 책은 작가들에게 작업의 완성도를 위한 모색과 고민의 도구가 된다. 작가들이 선택한 다양한 매체 위의 이미지는 결국 그들의 인식의 힘에서 비롯된다. 그러므로 작품은 작가 내면의 진정성과 섬세한 시선의 표출이며, 책은 예술 행위를 위한 동반자가 되는 것이다. 전시는 7명의 예술가들인 서용선, 이혜승, 원성원, 유창창, 박지나, 정희승, 노순택의 작품에 관여한 책과 그 사유의 세계를 엿볼 수 있도록 구성하였다. 그들의 예술 세계는 책의 등장으로 우리에게 또 다른 방식으로 말을 걸어 올 것이다.

이번 전시에는 7명의 작가들로 이루어진 본 전시 이외에도, 세 가지 테마의 특별전이 함께 했다. 왜냐하면 책은 예술가들뿐만 아니라 우리 모두의 삶에 직·간접적으로 긴밀함을 갖는 것이기 때문이다. 책을 쓰는 작가, 책을 만드는 출판인, 책이 인생의 모든 마디와 더불어 하는 시민들이 함께 했다. 첫 번째 테마인 <책의 초상>은 미국 컬럼비아대학 출판부의 수석 디자이너인 이창재 선생의 기획을 초대한 전시이다. 그가 선정한 37점의 책을 두 명의 사진작가 노순택, 안옥현이 촬영한 책 사진과 함께 전시한다. 우리는 책을 귀히 여기며 오랜 시간 디자인하고 만들어 온 그의 시선과 조우한다. 그리고 그에 못지않게 책을 좋아하는 두 사진작가의 작품으로 그의 흥미로운 책들을 감상한다. 두 번째 테마는 파주출판단지에 소재한 출판사 열화당의 <책 짓는 방, 책 읽는 방> 전시이다. 열화당은 상업적인 이해관계에서 벗어나, 지키고 조명해야 하는 전통문화와 예술에 대한 출판을 이어 왔다. 예술 행위와 다르지 않은 출판의 역할과 가치를 만날 수 있는 공간이다. 세 번째 테마는 예술 특성화 도서관인 고양시립아람누리도서관과 협력한 전시 <내 인생의 책>이다. 이곳에는 일곱 명의 고양 시민들이 참여해서 그들의 정신을 도끼날처럼 쪼개거나 섬세한 미풍으로 어루만져 주었던 인생의 책들을 소개한다.

우리는 보편적이고 일상적인 것에 편안함을 느끼며, 오랫동안 진리와 정의의 담론이 견고한 토대 위에 있다고 여겼다. 긴 시간의 흐름 속에 만들어진 삶의 방식은 풍습, 인습, 관습이라는 보편 규칙을 만들었고, 사회적 관계를 원활하게 하는 상호 간의 예의와 도리 그리고 도덕적 판단 속에 일상적인 삶을 살아가고 있다. 그러나 최근 들어 익숙하게 이어져 온 생각들이 개인적 차이와 타자성을 종종 배제시키고 우리 스스로를 은연중에 제한된 사고의 틀 속에 놓는다는 입장이 대두된다. 리오타르에 따르면 오늘날의 포스트모던은 이러한 거대 담론들인 메타 서사에 대한 불신과 회의라고 정의한다. 이외에도 많은 철학적 사유들은 그동안 진리와 선을 정당화 해 온 담론들을 변화하게 했다. 그리고 시나 소설, 혹은 예술이 이러한 습관화된 도덕적 판단을 중지하고 텅 빈 기호로 다시 대상을 대하도록 하고 있다. 상상을 통해 재구성된 예술세계는 고정되고 기호화된 세계를 다시금 텅 빈 기호의 대상에 새로운 관점을 투사하도록 돕는 것이다.

우리가 어떤 예술작품을 만났을 때, 작가의 의도에 붙잡혀 있을 필요는 없다. 지각과 인식의 주체는 나이고 만남 중에 나와 공명하는 부분이 있다면 그것은 나의 경험과 내면세계에서 비롯된 것이기 때문이다. 우리들 각자가 만나는 그 작품은 감상자의 감정을 소환하며 돌아보는 계기가 된다. 자신의 감정을, 내면을 찬찬히 들여다보게 만드는 것이 또 하나의 중요한 예술의 역할이다. 작가들의 작업 역시 일깨움의 도구인 책으로부터 이러한 과정 속에서 만들어진다. 책과 예술은 우리 모두의 벗이다. 책과 예술은 잠들지 않고 깨어 있도록 한다. 책과 예술은 우리의 시선을 내면으로 향하게 하고, 자신과 타인을 깊게 이해하도록 하며, 풍부한 상상력을 품게 한다. 우리의 삶은 책과 예술이 함께할 때 더욱 풍요롭다.

김언정 고양문화재단 아람미술관 책임큐레이터

※ 출처: 김언정, 「전시 서문」, 『2018 책의 해 특별전: 예술가의 책장』, (재)고양문화재단, 2018, pp. 8-10

Introduction

Art and books resemble each other. Both contain expressions of our lives that reveal the depth of thought. Although the reality of everyday life puts us under pressure, we possess a sense of curiosity that makes us continuously pursue the meanings of our lives and identity. While chasing after ambiguous reasons, we often stop and think: "Where am I standing now and am I headed in the right direction?" In this moment of doubt, we need books and art. Good books and art remind us of what we have missed or forgotten and lead us to ponder over it. Art makes us break away of habitual perceptions, and books present us with phrases of wisdom that comfort us.

While art has long been referred to as the expression of inspiration, the nature of inspiration, which represents the mystery of the human spirit, remains unknown. Inspiration has been considered a form of conveyed messages from nature or from a god, but it has also been understood to have come from unconscious impulses since Freud's time. In modern times, the meanings of art have been discussed at multiple levels, which makes it all the more difficult to define as one concept. However, art has been flowing throughout the 2,000-year history of human civilization, alternating between transcending and internalizing it. This exhibition, "The Portrait of the Artist," aims to ask about the current situation of contemporary arts and to discuss art as a discipline of humanities.

It is often said that art belongs to the humanities. Like the humanities, are is a means of expressing human experiences and thought (in an artistic way, of course). Indeed, the art museums that we visit function as knowledge institutions, exactly the same as colleges of humanities. In contemporary art museums, artworks convey to us the ideas expressed in non-verbal ways and we seek to understand the meanings of the works based on the formative ways in which the works were structured. That is, it is necessary for us to step into the thought embedded in the works beginning with their visible forms. This is often a difficult and even frustrating task.

Nevertheless, we expect the meanings of art to be both hidden and visible at the same time. Of course, works of art sometimes bring changes to or have equivalent effects on those who face them. It happens more often than not, however, that we feel lost in front of the works full of delicate indications and suggestions that stem from a high intellectual culture. In order to become familiar with contemporary arts, there are often many hurdles to overcome. Nevertheless, we attain pleasure and satisfaction within the grand frame of art. We still expect art to enrich our inner world and contribute to our leading a better life and treating each other with greater dignity.

It also seems that these kinds of art and books are not generally oriented towards the familiarity of popular culture or practical purposes. Poetry and novels, from a practical point of view, have the characteristic of being useless, which is in line with the uselessness of the contemporary arts classified as "pure" art. We do not seek useful information or knowledge from poetry or novels, which are not practical writings. Rather, they portray our inner world in a very subtle way, leading us to the experience of a virtual world and inviting us to the secret space of metaphors. In the same way, contemporary arts have abandoned the "techniques" in the archaic sense of the term "techne," and have run away to the world of uselessness, crossing the fences of beauty. They have gained value, for they are useless.

The beauty that we have known throughout the ages is no longer the absolute concept of fine arts or aesthetics. Rather, since the 20th century, beauty has become something that should not be explicitly represented in art. The status of an artwork has been acquired only on the condition that it has achieved the expression of more philosophical thoughts, that is "something meaningful." Artists have been engrossed in the search for such meanings. Today, however, it is no longer about defining or eliminating something or about expressing a certain belief or ideology. In today's artistic world, which is characterized by pluralism, artists only strive to make contact with the world through their artistic acts.

On the other hand, the completion of an artwork does not fully depend on the artist. It is when the viewer evaluates the work and finds the points that he or she can relate to, that the work is completed. A work created by the artist is reborn as another form by the viewer. In an exhibition space, the viewer reinterprets the metaphorical and poetic features of artworks with his or her own imagination. In the same way, every reader differently perceives and relates to a story in a book while reading it, recalling their own unique memories and experiences. In this respect, reading books and viewing works of art in an exhibition space resemble each other. I once watched a TV interview where a young actor was asked about the kind of actor he wanted to be in the future. He answered that he hoped to be an actor like "art" so that the audience would be able to feel happy, sad, and moved to watch him act in a movie or a TV drama. What kind of art, then, did he mean? I reckon that books, paintings, and films are the same in essence. The book is a work of art in a broad sense, and here, with respect to the "art," I suppose it is something that is meant to make us laugh, cry, think about and sympathize with it, and ultimately to live a life that dances alive.

This year's special exhibition "The Bookshelf of the Artist," which was organized to celebrate the year of books, asked artists about the relationship between books and art. In contemporary arts, intelligent thinking occupies a significant part and books are directly involved in the works. There are many ways in which artists form relationships with books. Books serve as a means of exploration and as a pursuit of meanings for artists to ascribe completeness to their works. The images on the various media selected by the artists are fundamentally a representation of their cognitive power. Therefore, a work of art is an expression of the authenticity of the artist and his or her delicate gaze, and books function as a companion for the artistic acts. This exhibition was designed to give the audience a glimpse of the books that were involved in the works of seven artists - Suh Yong-sun, Lee Hye-seung, Won Seoung-won, Yo Chang-chang, Park Ji-na, Jeong Hee-seung, and No Sun-tag - and into the world of their thoughts. Their artistic world will speak to us in another distinctive way, through the mediation of these books.

The main exhibition in which these seven artists are participating is accompanied by three special theme exhibitions. This is because books are closely linked both directly and indirectly to us as well as the artists. Writers who author books, publishers who make books, and citizens who have been with books at every turn of their lives participated in these special exhibitions. The first theme exhibition "The Portrait of the Book" was curated by invited curator Lee Chang-jae, a senior designer of the Columbia University Press. The 36 books that he selected are displayed with the photographs of two photographers, No Sun-tag and Ahn Ok-hyun. In this exhibition, we meet the gaze of Lee who has cherished, designed, and created books for many years. In addition, through the works of the two photographers, who are also fond of books as is Lee, we appreciate his specially selected interesting books. The second theme exhibition is "The Book Making Room, the Reading Room" by the publisher Youlhwadang in Paju Book City. The publisher has turned away from the pursuit of commercial interests, and has instead continued to publish books on traditional cultures and arts that need to be preserved and elicit greater attention. This exhibition invites us to a space where we can discover the role and value of publishing that is not different from an art form. The third theme exhibition "The Books of My Life" is jointly held with the Goyang Aram Nuri Library, an arts specialization library. Seven Goyang civilians participated in this exhibition, introducing the books of their lives that had split the paradigms of their minds like sharp axes or soothed their hearts as gentle breezes.

We feel comfortable about the things that are universal and ordinary and have long believed that the discourses of truth and justice are grounded on a solid foundation. The way of life established over the extended course of time has created universal rules such as customs, conventions, and habits, and we live everyday lives practicing mutual courtesy, fulfilling duties, and passing moral judgments that facilitate social relations. However, recent years have shown the emergence of the viewpoint that familiar ideas often exclude individual differences and otherness and make us unconsciously position ourselves in the framework of limited thinking. According to Jean-François Lyotard, today's postmodernism is defined as distrust of and doubt about such grand discourses, or meta-narratives. In addition to this, many other philosophical considerations have led to the changes in the discourses that have justified the concepts of truth and good. Furthermore, poetry, novels, or art have encouraged us to cease such habitual moral judgments and to once again perceive the objects of these judgments as empty symbols. Contrary to the fixed and symbolized world, the artistic world that is reconstructed through imagination helps us project new perspectives to the objects of these empty symbols.

When we interact with a work of art, we do not need to be restrained by the artist's intention. It is "I" who am the subject of recognition and perception, and if "" find a part that resonates with me during the interaction with the work, the reaction comes from my experiences and my inner world. The works of art that each of us encounter resurrect our past emotions and make us look back on them. This is another important role of art, to invite us to take a close look at our feelings and our inner world. The works of the artists are also created in such a process mediated by books, which are a means of enlightenment. Books and art are friends of all of us. They keep us awake without falling asleep. Books and art shift our eyes toward our inner side, give a profound understanding of ourselves and others, and provide us with a rich imagination. Our lives are richer when accompanied by books and art.

Kim Eun-jung

Chief Curator of the Aram Art Museum, the Goyang Cultural Foundation

※ 출처: Kim Eun-jung, 「Introduction」, 『2018 책의 해 특별전: 예술가의 책장』, (재)고양문화재단, 2018, pp. 11-13

초대글

세상에 언어가 필요할 때까지

"인간은 두 가지의, 말하자면 상보적인 언어를 보유하고 있는 셈인데, 그 하나는 인간이 체험한 것을 관념들과 그 연계의 도움으로 설명하면서 표현하는 것이고, 다른 하나는 인간이 다소간 흐릿하게 느낀 것을 이미지들의 도움으로 구상화하는 것이다."

- 르네 위그, 『보이는 것과의 대화』 중에서

인간이 표현하고 감각할 수 있는 모든 수단을 '언어'라고 할 때, 그중 글과 그림은 큰 영역을 차지해 왔습니다. 이 둘은 서로 보완하면서 경쟁했고, 동경하면서 때론 대립했습니다. 저는 예술가도 아니고 글을 전문적으로 쓰는 작가도 아니지만, 예술과 연관된 책을 오랫동안 만들어 온 편집자로서 예술가들이 글과 책을 대하는 태도, 문인이나 학자들이 예술을 보는 시각을 가까이서 지켜봐 왔습니다. 살아 있는 작가와 직접 만나기도 했고, 이미 세상을 뜬 이들은 그가 남긴 원고를 통해서였습니다.

"화가에게 문장은 군더더기에 불과하다." 화가 장욱진(1917-1990)은 이런 말을 하곤 했다지만 그 역시 자신의 생각을 글로 썼고, 이를 모아 낸 책 『강가의 아틀리에』는 지금도 화가의 귀중한 기록으로 읽히고 있습니다. 동서양을 아우르는 통찰력을 지녔던 조각가 우성 김종영(1915-1982)은 예술가는 기술만이 아니라 확고한 이론과 철학을 가지고 있어야 하고, 다른 예술가들의 사상과 이념을 배우고 이를 바탕으로 새로운 예술을 창출해야 함을 가르치고 실천했습니다. 『근원수필近園隨筆』(1948)로 널리 알려진 월북 화가 근원 김용준(1904-1967)은 문사철文史哲을 겸비한 전인적 예술가로서 그림보다 오히려 글을 더 많이 남겼고, 시대를 거슬러 올라가 추사 김정희(1786-1856)와 같은 조선의 문인화가들은 시서화일체교詩書畵一體를 추구했으니 글과 그림을 따로 논한다는 것 자체가 무의미한 시절이었습니다.

서양에서도 마찬가지입니다. 시인 장 콕토는 데생과 무대미술, 영화 등 다방면의 재능을 발휘했으며, 건축가 르 코르뷔지에는 엄청난 양의 그림과 조각 작업뿐만 아니라 자신의 건축을 지속적으로 기록하고 분석하기 위해 서른 권이 넘는 책을 직접 편집, 디자인까지 했습니다. 그의 유일한 한국인 제자 김중업도 당대 예술가, 문인들과 교유하며 '예술의 종합'을 꿈꾼 건축가이자 시인이었습니다. 예술가들은 소설가 친구의 책 표지화를 그려 주고 시를 썼으며, 문학가들은 예술론을 썼습니다. 보들레르와 들라크루아, 발레리와 드가, 루이 아라공과 쿠르베, 장 주네와 자코메티, 이태준과 김용준, 김광섭과 김환기 등 수없이 많습니다. 이들에게 '책'은 글과 그림이 자연스레 뒤섞이는 매력적인 매체였고, 경계 없이 넘나들고 실험하며 새로운 세계로 나아가기 위한 디딤돌이었습니다.

이런 풍경은 20세기 중반으로 사라지기 시작합니다. 인간은 본래 가진 총체성을 버리고 전문화하기 시작했습니다. 예술도 회화, 조각, 공예, 디자인, 건축 등으로 분과가 되고 글과 그림도 갈라졌습니다. 화가는 글을 쓰지 않고 작가는 그림을 그릴 여유가 없습니다. 예술만이 아니라 다른 분야도 비슷합니다. 21세기 들어 통섭이라는 개념 아래 이를 극복하려는 시도들이 있지만, 이미 제도 교육에서 조각나 버린 사고를 다시 이어붙이기는 쉽지 않아 보입니다.

물론 긴 역사 속에서 이미지와 문자의 대립은 존재했고, 이는 인간 문명이 어떤 경로로 진행되어 왔는지를 보여주기도 합니다. 옛날에는 주로 입으로 전해지던 지식이 15세기 인쇄술의 발명 이후엔 문자로 대체되었고, 19세기에 사진이 발명되자 책, 신문, 잡지들의 지면에서 이미지가 글을 압도하며 대중에게 보급됩니다. 급기야 20세기 초 이미지는 지면에서 벗어나 거리의 광고판, 텔레비전을 거쳐 이젠 컴퓨터와 스마트폰에서 우리의 시선을 점령하고 있습니다. 책과 문자는 그 가치와는 별개로 수적으로 이미지에게 주도권을 빼앗겼습니다. 독일의 대문호 괴테는 생전 "우리는 너무 많이 말한다. 덜 말하고 더 그려야 할 것이다. 나로서는 말을 포기하고, 아름다운 자연처럼 이미지들로써만 말하고 싶다"며 이미지와 미술의 역할을 앞세우기도 했는데, 만약 그가 살아 있다면 지금의 전도된 상황을 보고 어떤 생각을 할지 모르겠습니다.

먼 미래에 모든 정보가 뇌 속으로 바로 입력되는 때가 도래하기 전까지, 우리는 어떤 매체를 거쳐 언어로 소통해야 합니다. 그 과정에서 누락되고 오해되는 메시지는 불가피합니다. 글이든 그림이든 작가라면 작품 그 자체로 충분해야 한다는 주장들이 있습니다. 보는 이에게 남겨 놓는 여백은 필요하지만, 이 주장의 이면에는 자신의 작품이 신비롭게 보이고 순수한 영역에 머무르기 원하는 심리도 존재하는 듯합니다. 예술은 궁극적으로, 사라지는 것을 오래가는 것으로 만들고, 모호한 생각을 좀 더 또렷하게 바꾸려는 노력입니다. 그리고 그 생각은 인간존재에 대한 질문을 던져야 합니다.

독자나 관람자와의 소통의 경험은 오로지 하나의 길만 있지 않습니다. 그래서 인간은 복수의 언어가 필요합니다. 제가 책을 만들며 만난 예술가들은 대체로 자신의 제1의 언어 외에 제2, 제3의 언어를 겸비했고, 처음엔 인식하지 못해도 점차 발견해 가길 기꺼워했습니다. 시각예술이든 문학이든 우리의 내면이 어떤 언어로 온전하게 전달되는 것은 불가능합니다. 표현 불가한 영역이 표현 가능한 부분보다 훨씬 넓기 때문입니다. 끝내 도달하지 못하리라는 걸 알면서도 도달하려 하는 것이 예술이라면, 책은 그 고독한 여정에 동행하는 또 다른 언어입니다.

2018년 12월

이수정 열화당 기획실장

※ 출처: 이수정, 「초대글: 세상에 언어가 필요할 때까지」, 『2018 책의 해 특별전: 예술가의 책장』, (재)고양문화재단, 2018, pp. 14-15

Until the World Needs Language

"Humanity has two languages, namely two complementary languages; one that expresses human experiences by explaining them with the help of ideas and their connections, and the other that visualizes what humanity feels in a more or less ambiguous way with the help of images."

- René Huyghe, Dialogue avec le visible

If we can define all the means with which human beings can express and sense the world as "language," writing and painting have constituted a substantial part of it. The two complement each other and compete with one another, sometimes admiring and at other times opposing each other. I am neither an artist nor a professional writer, but I have been closely observing the attitudes of artists towards writing and books, as well as the viewpoints of writers and scholars towards art as an editor who has long been engaged in the publication of books on art. In the course of my career, I have met living writers in person and those who had already passed away through their manuscripts.

"For a painter, writing is just redundant." This is a well-known remark of painter Chang Uc-chin(1917-1990). Paradoxically, he also expressed his thoughts through writing and the collection of his writings, The Riverside Atelier, is still read as the valuable personal records of the painter. Useong Kim Chong-yung(1915-1982), a sculptor with keen insights into the Eastern and Western cultures, believed that artists' work should be grounded on firm theoretical and philosophical foundations, not solely in skill, and should thus study the thoughts and ideas of other artists and create a new art form based on them. Throughout his work, Kim put this belief into action. Geunwon Kim Yong-jun(1904-1967), an artist who defected from South Korea and is widely known for Geunwon's Essays(1948), was a versatile artist who had profound knowledge in literature, history, and philosophy and left a greater volume of writings than paintings. Earlier than the times of these artists, scholar-painters of the Joseon Dynasty such as Chusa Kim Jeong-hui(1786-1856) had pursued the mastery of poetry, calligraphy, and painting as a single art form. At that time, discussing writing and painting separately was considered meaningless.

Writing and painting were often crossed between by Western artists as well. The poet Jean Cocteau demonstrated his talents in various areas including drawings, stage art, and films. The architect Le Corbusier, who created a large volume of paintings and sculptures in addition to his architectural works, also compiled and designed over 30 collections of his writings personally to continuously document and analyze his architectural works. His only Korean disciple, Kim Chung-up, was also an architect and poet who dreamed of a comprehensive form of art as he interacted with his contemporary artists and writers. There was a time when artists wrote poems and created book covers for their writer friends while writers wrote about art. Such a relationship is found among many artists and writers such as Baudelaire and Delacroix, Valéry and Degas, Jean Genet and Giacometti, Lee Tae-jun and Kim Yong-jun, and Kim Kwang-seop and Kim Whan-ki. To them, a book was a fascinating medium where writing and painting were naturally intertwined. The book was a stepping stone to move to a new world by crossing between two areas beyond boundaries and performing various experiments. However, this abstract is one of the landscapes that has disappeared since the middle of the 20th century. Humans began to pursue specialization, rejecting the wholeness that they had previously sought. Art has been subdivided into painting, sculpture, crafts, design, and architecture. Writing and painting have also been separated from each other. Artists do not write anymore, and writers cannot afford to draw or paint. The same movement occurred in other fields as well. In the 21st century, there have been attempts to overcome the division and separation through the concept of "consilience," but it seems quite challenging to reconnect these perceptions, which have been segmented through institutional education.

Of course, throughout the long human history, there has existed confrontation between images and texts, which illustrates how human civilization has progressed. In the past, knowledge was mainly spread by word of mouth, which was replaced by letters after the invention of printing in the 15th century. With the invention of photography in the 19th century, images started to overwhelm texts in the pages of books, newspapers, and magazines and spread to the public. At the beginning of the 20th century, images finally took off from paper media and dominated outdoor billboards, and television screens. Today, they occupy computer monitors and smartphone screens, constantly captivating our eyes. Books and letters, apart from their value, have lost their initiative to images in terms of quantity. The great German writer Goethe often emphasized the role of images and fine arts, saying, "We speak too much. We should speak less and draw more. I want to rather abandon words and articulate only with images like beautiful natural sceneries." I wonder what he would think about today's reversed situation if he was alive.

Until the advent of the future era when all information is directly entered into the brain, we need to communicate in a language through some form of media. In the communication process, some of the messages are inevitably missing or misunderstood. It has been insisted that the author's intention should be fully expressed within a work, whether it is in writing or in a painting. There is a need for a "blank" to be left for the viewer. However, it seems that behind this blank exists the desire of the artist to cause the work to leave a mysterious impression and remain as a pure work of art. However, art is ultimately an endeavor to make evanescent things last and to transform ambiguous ideas into clearer ones. And these ideas need to ask the questions about human existence.

Communication with the reader or viewer does not occur only through a single channel. Therefore, humans need plural languages. The artists I have met throughout my work of making books generally had command of the second and third languages in addition to their first language, and were willing to steadily discover what they had not at first perceived. Our inner world cannot be fully conveyed in any single language, whether it is the form of visual art or literature. This is because that which is inexpressible is far more vast than that which is expressible. But if art is the pursuit of reaching destination that we know we cannot reach, the book is another language that accompanies the artist along that lonely journey.

December 2018

Yi Soo-jung

Chief Editor of Youlhwadang Publishers

※ 출처: Yi Soo-jung, 「Until the World Needs Language」, 『2018 책의 해 특별전: 예술가의 책장』, (재)고양문화재단, 2018, pp. 16-17